Las películas favoritas de Bret Easton Ellis

09/12/2019 · CARLOS DE VEGA


Bret Easton Ellis (Los Ángeles, 1964) es conocido mundialmente por sus novelas Menos que cero (1985), Las leyes de la atracción (1987) y American Psycho (1991) cuya adaptación cinematográfica –American Psycho (2000)– dirigió Mary Harron y protagonizó Christian Bale. En esta ocasión Bret Easton Ellis selecciona sus diez películas favoritas, pero advierte: «podrían haber sido otras la semana pasada, y podrán ser otras la semana que viene», es por esto que no están ordenadas por orden de favoritismo.

Del original: Bret Easton Ellis’s Top 10 por Criterion.

Las películas favoritas de Bret Easton Ellis

09/12/2019 · CARLOS DE VEGA


Bret Easton Ellis (Los Ángeles, 1964) es conocido mundialmente por sus novelas Menos que cero (1985), Las leyes de la atracción (1987) y American Psycho (1991) cuya adaptación cinematográfica –American Psycho (2000)– dirigió Mary Harron y protagonizó Christian Bale. En esta ocasión Bret Easton Ellis selecciona sus diez películas favoritas, pero advierte: «podrían haber sido otras la semana pasada, y podrán ser otras la semana que viene», es por esto que no están ordenadas por orden de favoritismo.

Del original: Bret Easton Ellis’s Top 10 por Criterion.

El silencio de los corderos

The Silence of the Lambs (Jonathan Demme, 1991)

Este es sin duda el mayor logro de Demme, uno de sus únicos éxitos, y persisten los rumores de que fue tomado como un encargo. Contiene quizá la heroína más compleja y dos de las actuaciones más emblemáticas del cine americano. Parece que Demme se ha estado disculpando por su sangre y violencia desde entonces, pero es una película casi perfecta, a la vez que un reflejo inquietante de los años de George H. W. Bush de la misma manera que No es país para viejos (Joel & Ethan Coen) parecía un reflejo de los años de su hijo en la presidencia.

Una joven cadete del FBI debe recibir la ayuda de un psicópata encarcelado para ayudar a atrapar a otro asesino en serie.

La semilla del diablo

Rosemary's Baby (Roman Polanski, 1968)

Una película de terror perfecta y, a excepción de un sangriento momento al principio y algunos rasguños sexys del propio Satanás, no se ve apenas sangre. La película genera temor con su narrativa, pero se amplifica por la magistral técnica de Polanski. La película sigue siendo fascinante y llena de suspenso después de múltiples visionados, tal vez porque está anclada en la realidad y es maravillosamente simple: el horror se desarrolla dentro de las realidades de un matrimonio moderno a finales de los años 60 en Manhattan y el movimiento Dios está muerto. Solo superado por Chinatown en la filmografía de Polanski.

Un joven matrimonio se muda a un departamento en Nueva York, pero cuando la esposa queda misteriosamente embarazada, la paranoia por la seguridad de su hijo no nacido comienza a controlar su vida.

Nashville

Nashville (Robert Altman, 1975)

El ambiente de una década se condensó y se reflejó en 160 minutos: la obra maestra de Altman; con una sensibilidad de mediados de los 70, errante y un poco drogada, pero en alza con el humanismo. Es la película más amigable de Altman en muchos sentidos, una película de fiesta, a pesar de que termina con un asesinato. No conozco una mejor película para usar como recordatorio de quiénes éramos y dónde estábamos como país en 1975. Solo Shampoo de Hal Ashby se acerca.

En el transcurso de unos agitados días, numerosas personas interrelacionadas se preparan para una convención política a medida que se revelan secretos y mentiras.

Mulholland Drive

Mulholland Dr. (David Lynch, 2001)

La película de David Lynch me enfureció cuando la vi por primera vez en un cine vacío durante su estreno en octubre de 2001 en Nueva York. Pero con cada visualización posterior se vuelve más rica, más compleja y más misteriosa. Supera a El desprecio (Jean-Luc Godard) como la película más trágica y angustiosa sobre cine y los absorbe almas de Hollywood con sus promesas imposibles de cumplir. Naomi Watts nunca ha estado mejor.

Betty, una joven aspirante a actriz, llega a Los Ángeles para convertirse en estrella de cine y se aloja en el apartamento de su tía. Allí conoce a Rita, una mujer que padece amnesia a causa de un accidente en Mulholland Drive. Las dos juntas deciden investigar quién es Rita y cómo llegó hasta allí.

La última película

The Last Picture Show (Peter Bogdanovich, 1971)

Una obra maestra y uno de las películas clave de la década de 1970 del Nuevo Hollywood, tal vez solo detrás de las películas de El padrino. Su mezcla de clasicismo amoroso, influencias europeas y permisividad de los 70 es impactante y desesperadamente real. La vida de un pequeño pueblo estadounidense nunca se ha representado con tanta empatía, franqueza, tristeza y desesperación sin complejos. La actuación de Timothy Bottoms es la representación más desgarradora de la adolescencia masculina.

En la década de los 50, en una pequeña ciudad de Texas, un grupo de jóvenes afronta el paso de la adolescencia a la madurez dentro de una sociedad represora y cambiante en la que el cine y todo lo que representa muere en manos de la televisión.

El niño de la bicicleta

Le gamin au vélo (Jean-Pierre & Luc Dardenne, 2011)

El realismo documental de los hermanos Dardene fue locamente influyente y le dio al lenguaje cinematográfico contemporáneo una nueva urgencia. Emocionalmente abrumadora y, al final, una experiencia mística sobre la esperanza.

Abandonado por su padre, un niño se queda en una granja juvenil estatal. En un acto de bondad, el peluquero de la ciudad acepta acogerlo los fines de semana.

El eclipse

L'eclisse (Michelangelo Antonioni, 1962)

Una tirada de dados: podría haber sido La aventura o La noche, pero la volví a ver recientemente y me impresionó el dominio y el control de Antonioni, y su visión nihilista de la desesperación de la clase media-alta es amplia e inigualable. Alain Delon y Monica Vitti son la pareja más hermosa del cine internacional de los años 60, embalsamados y, sin embargo, completamente vivos.

Una joven se comienza a salir con un hombre, pero su relación amorosa está condenada por la naturaleza materialista del hombre.

Amenaza en la sombra

Don't Look Now (Nicolas Roeg, 1973)

Una de las películas de terror modernas más aterradoras y pesimistas, vestida como un romance. La banda sonora de Pino Donaggio es inolvidablemente, y un recordatorio de lo vital que es la música en las películas. Christie y Sutherland son elegantes en la desierta Venecia. Uno de los clímax más impactantes de todos los tiempos: lleno de terror y dolor.

Para intentar superar la reciente y trágica pérdida de su hija, el arquitecto John Baxter y su mujer Laura se trasladan a Venecia con el encargo de restaurar una vieja iglesia. Durante su estancia conocerán a un par de ancianas que dicen haber entrado en comunicación con su difunta hija y que les advierten de un peligro inminente.

Días del cielo

Days of Heaven (Terrence Malick, 1978)

Las imágenes tan exuberantes e intensas, combinadas con la partitura más hermosa de Morricone, hacen de la película de Malick –encontrada y realizada en la sala de edición–, un impresionante montaje de noventa y cuatro minutos sobre la vida rural de principios del siglo XX que permanece sin igual como ejemplo de la búsqueda por la maestría en el Nuevo Hollywood.

Bill y Abby –una joven pareja– y Linda, la hermana de Bill, deciden viajar a los grandes campos de trigo de Texas, donde encuentran trabajo como braceros en una granja. Recogida la cosecha, el joven y apuesto patrón, al que hacen creer que los tres son hermanos, les pide que se queden porque se ha enamorado de Abby.

El desprecio

Le mépris (Jean-Luc Godard, 1963)

La mayoría de las películas de los años 60 de Godard podrían ocupar este puesto, pero en esta vemos al cineasta en su épica más amplia y autorreflexiva. La mejor película sobre el proceso de filmación jamás realizada. La banda sonora de Georges Delerue es posiblemente la más triste de la historia del cine.

El matrimonio del guionista Paul Javal con su esposa Camille se desintegra durante la producción de una película.