Las películas favoritas de Jack Reynor

03/06/2020 · CARLOS DE VEGA


El joven actor –conocido principalmente por su papel de Christian en Midsommar de Ari Aster– se declara un fanático incondicional del cine asiático y europeo. Si tenéis cuenta de Instagram, podéis apuntaros a su club de cine Jack Reynor’s Cinemania.

Del original: Jack Reynor’s Top 10 por Criterion.

Las películas favoritas de Jack Reynor

03/06/2020 · CARLOS DE VEGA


El joven actor –conocido principalmente por su papel de Christian en Midsommar de Ari Aster– se declara un fanático incondicional del cine asiático y europeo. Si tenéis cuenta de Instagram, podéis apuntaros a su club de cine Jack Reynor’s Cinemania.

Del original: Jack Reynor’s Top 10 por Criterion.

NÚMERO 10

Desaparecida

The Vanishing (George Sluizer, 1988)

Lo que hace Desaparecida tan escalofriante es su estructura poco ortodoxa. Comienza con una niña secuestrada en una estación de servicio mientras su novio espera en el coche. La historia continúa tres años más tarde con el novio todavía buscándola mientras su asesino monitorea sus movimientos. Desde el principio sabemos quién es el asesino, y estamos bastante seguros de que la niña murió hace mucho tiempo. Lo que hace que la película sea especial es que conserva su tensión a pesar de regalar tanto desde el principio.

Hay un increíble equilibrio de simpatía y frialdad absoluta en la actuación de Bernard-Pierre Donnadieu como el villano; el personaje es un hombre de familia aparentemente respetable que, sin el conocimiento de su esposa e hijos, es de hecho un sociópata de libros de texto. Verlo mientras planea pacientemente el crimen nos hace sentir como si estuviéramos viendo un accidente automovilístico en cámara lenta. Sabemos que no hay nada que podamos hacer para detener lo que va a suceder; de hecho ya ha sucedido. Stanley Kubrick citó esto como la película más aterradora que había visto. Y puedo ver por qué.

Rex y Saskia, una joven pareja enamorada, están de vacaciones. Se detienen en una estación de servicio y Saskia es secuestrada. Después de tres años y sin signos de Saskia, Rex comienza a recibir cartas del secuestrador.

NÚMERO 9

Stalker

Stalker (Andrei Tarkovsky, 1979)

Como con todas las películas de Andrei Tarkovsky, Stalker merece múltiples visitas. Las tres horas de duración, y con la mayoría de los planos de más de un minuto, exige un compromiso del espectador. La producción fue infame, la mayoría de las imágenes se perdieron y tuvieron que ser filmadas de nuevo, y varios miembros del elenco y del equipo murieron de cáncer, lo que fue atribuido por muchos involucrados a condiciones tóxicas en algunos de los lugares de rodaje.

Los resultados de la película, sin embargo, son tan únicos como impresionantes. Las imágenes y el simbolismo siguen siendo algunos de los más bellos e inquietantes jamás filmados. Y la banda sonora y la partitura se entrelazan con las imágenes en un estilo similar a las colaboraciones de Kobayashi y Takemitsu, donde los sonidos se procesan y se estiran para desorientar y luego reconectar al espectador.

Un guía conduce a dos hombres a través de un área conocida como la Zona para encontrar una habitación que conceda deseos.

NÚMERO 8

Mujeres enamoradas

Women in Love (Ken Russell, 1969)

Esta adaptación de la novela de D. H. Lawrence examina las relaciones entre dos hermanas y sus respectivas parejas románticas en la Inglaterra posterior a la Primera Guerra Mundial. Ken Russell hace un trabajo fascinante al explorar temas de celos, lujuria, homosexualidad, fidelidad y clase social de una manera desafiante y a menudo aguda. Le da la vuelta a la noción de amor virtuoso y, al verdadero estilo de Russell, estrangula a los personajes y al público, haciéndoles sin vacilar las preguntas más profundas que normalmente no nos atrevemos a hacernos. Hay lugares impresionantes, una cinematografía deslumbrante y una escena de lucha que hace que la pelea a cuchillo de Viggo Mortensen en Promesas del este parezca mansa. Al igual que con todas las películas de Ken Russell, prepárate para retenerla en mente por un tiempo una vez terminada la película.

Dos mejores amigos se enamoran de un par de mujeres, pero las relaciones pronto van en direcciones muy diferentes.

NÚMERO 7

La hora del lobo

Vargtimmen (Ingmar Bergman, 1968)

Esta es una historia visceral de un artista (Max von Sydow) cuya mente comienza a desmoronarse mientras sufre de insomnio y macabras visiones de demonios. Su esposa embarazada (Liv Ullman) está tan preocupada por esto que comienza a mantenerse despierta con él noche tras noche mientras intenta procesar su dolor.

Es claramente un trabajo muy personal para Bergman, quien de forma admirable intenta comprender y explorar un problema existencial para todos los artistas. La búsqueda del conocimiento, la verdad, la claridad o la iluminación, ya sea por medio de la expresión artística, las creencias religiosas o la ciencia, tiene la capacidad de hacer trizas la personalidad de un individuo. Como dice el refrán, hay una delgada línea entre genio y locura.

Un artista sufre un colapso emocional y confronta sus deseos reprimidos, mientras está de vacaciones en una remota isla escandinava con su joven esposa embarazada.

NÚMERO 6

Callejón sin salida

Cul-de-sac (Roman Polanski, 1966)

Pocas películas han saciado mi apetito por una experiencia de cine puro como Cul-de-sac hizo la primera noche que la vi. Es una película que no pertenece estrictamente a ningún género, sino que baila entre el thriller, el horror psicológico y la comedia. Uno de mis actores favoritos, Donald Pleasence, enormemente infravalorado, en la mejor actuación de su carrera como un marido inglés muy pedante, sexualmente frustrado y extraño, mientras que Françoise Dorléac interpreta a su ardiente esposa francesa con una peligrosidad irresistible.

En busca de ayuda, dos gánsteres heridos que huyen encuentran refugio en el castillo apartado de un hombre débil y su esposa; Sin embargo, bajo la punta de un arma, nada es lo que parece.

NÚMERO 5

¿Teléfono rojo? Volamos hacia Moscú

Dr. Strangelove, or: How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb (Stanley Kubrick, 1964)

Esto es lo más parecido a una película perfecta que jamás he visto. Miles de años de humanidad afilando la espada de la sátira culminaron con esta parodia abrasadora de Stanley Kubrick. Por lo general, su dirección es la estrella de sus películas, pero aquí las actuaciones de Peter Sellers, George C. Scott y Sterling Hayden convierten el filme en una colaboración perfecta entre artistas. Sellers en particular destaca en tres papeles completamente diferentes. Es una verdadera clase magistral en la actuación.

Un general loco desencadena el camino hacia el holocausto nuclear en una Sala de Guerra llena de políticos y generales que intentan frenéticamente detenerle.

NÚMERO 4

El fotógrafo del pánico

Peeping Tom (Michael Powell, 1960)

Cuando El fotógrafo del pánico fue estrenado en 1960, fue criticado por los críticos que habían visto la película en una proyección especial de prensa. Esos críticos británicos deben haberse indignado con Michael Powell, en quien habían confiado como director para reforzar su identidad británica y su sistema de valores. Esa confianza debe haber sido completamente rota por esta acusación mordaz de voyeurismo y violencia extrema.

Hay muchas similitudes entre El fotógrafo del pánico y Psicosis de Alfred Hitchcock, estrenado en el mismo año, pero Hitchcock evitó astutamente la proyección de su película después de haber visto el destino de Powell solo unos meses antes. La carrera de Powell había terminado, con la excepción de algunos proyectos oscuros, pero la cultura de las películas slasher apenas comenzaba. Y si la gente se dio cuenta o no, esto era la zona cero. La reevaluación crítica de El fotógrafo del pánico ha asegurado su lugar en la categoría de «Cine de crucial importancia». Personalmente, prefiero la película de Powell a la de Hitchcock, pero ambas deben considerarse como ejemplos de gran cine de terror que exige análisis y pensamiento crítico.

Un joven asesina a mujeres, usando una cámara de cine para filmar sus expresiones moribundas de terror.

NÚMERO 3

El imperio de la pasión

Ai no bôrei (Nagisa Ōshima, 1978)

La nueva ola japonesa es casi sinónimo de Nagisa Oshima. Su película El imperio de los sentidos indignó a los críticos y al público por igual con sus muchas escenas de sexo no simulado. Aquí toma temas similares de lujuria y pasión asesina y los explora a través de lo sobrenatural, creando una historia de fantasmas que pone a prueba la sociedad japonesa y las convenciones culturales de una manera magistral. ¿Quiénes son los criminales aquí? ¿Aquellos que se atreven a perseguir sus sentimientos e impulsos, o la sociedad que les prohíbe la libertad de hacer exactamente eso?

Una mujer casada y su amante asesinan a su esposo y arrojan su cuerpo a un pozo. Después de un tiempo, su fantasma viene a perseguirlos mientras el chisme local se fortalece.

NÚMERO 2

El más allá

Kaidan (Masaki Kobayashi, 1964)

El más allá es una película como ninguna otra. Adaptada de leyendas y mitos japoneses que fueron recopilados por el autor irlandés Lafcadio Hearn, la película es una antología de cuatro historias de fantasmas. La superstición de la cultura irlandesa influyó claramente en la grabación de Hearn de estos cuentos, y ver estas historias adaptadas nuevamente por un artista japonés es fascinante. Creo que Kobayashi vertió su alma en este proyecto.

El más allá desangra la cultura y la identidad japonesas en todos los sentidos: no un orgullo nacionalista ruidoso y desagradable, sino un amor pensativo y considerado y respetuoso por su herencia. Toru Takemitsu proporciona una banda sonora austera e inquietante utilizando instrumentos japoneses tradicionales y efectos de sonido deformados. La mayor parte de la película está rodada en un escenario sonoro y presenta fondos llamativos, a menudo extrañamente pintados. Este fue el primer proyecto de color de Kobayashi, y el director de fotografía Yoshio Miyajima usa luz, una relación de aspecto de 2:35:1 y un movimiento de cámara refinado con un efecto sorprendente.

Una colección de cuatro cuentos populares japoneses con temas sobrenaturales.

NÚMERO 1

Cuentos de la luna pálida

Ugetsu monogatari (Kenji Mizoguchi, 1953)

Generalmente aceptado como el mayor trabajo de Mizoguchi, Cuentos de la luna pálida se basa en cuentos populares japoneses sobrenaturales del famoso autor del siglo XVIII Ueda Akinari. A Mizoguchi le preocupa más la narración compasiva de la tristeza humana, y encuentra mucho material en las historias cortas de Akinari. Infamemente intransigente, Mizoguchi fue un perfeccionista en todos los aspectos del proceso. Sus composiciones visuales, el diseño de producción, los efectos especiales, la iluminación, las actuaciones de los actores (especialmente Machiko Kyo, que se adhiere en este caso a un estilo de actuación teatral más tradicionalmente japonés), y el diseño de sonido están muy bien afinados y ejecutados. Es como si Mizoguchi tuviera la capacidad de estar en varios lugares a la vez.

Una historia de ambición, familia, amor y guerra ambientada en medio de las guerras civiles japonesas del siglo XVI.