Las películas favoritas de Martin Scorsese

17/11/2019 · CARLOS DE VEGA


Al contrario que otros cineastas de su generación, Martin Scorsese (Nueva York, 1942) sigue adaptándose década tras década a los nuevos tiempos, sus películas continúan inspirando a jóvenes cineastas generación tras generación. Su importancia en la historia del cine, va más allá de ser un excelente director, montador, productor y guionista; pues su pasión por el cinematográfico le ha llevado a crear The Film Foundation, una fundación sin ánimo de lucro para revindicar y preservar películas infravaloradas de todo el mundo. Por esto y por mucho más, Scorsese es una leyenda viva del cine.

Del original: Martin Scorsese’s Top 10 por Criterion.

Las películas favoritas de Martin Scorsese

17/11/2019 · CARLOS DE VEGA


Al contrario que otros cineastas de su generación, Martin Scorsese (Nueva York, 1942) sigue adaptándose década tras década a los nuevos tiempos, sus películas continúan inspirando a jóvenes cineastas generación tras generación. Su importancia en la historia del cine, va más allá de ser un excelente director, montador, productor y guionista; pues su pasión por el cinematográfico le ha llevado a crear The Film Foundation, una fundación sin ánimo de lucro para revindicar y preservar películas infravaloradas de todo el mundo. Por esto y por mucho más, Scorsese es una leyenda viva del cine.

Del original: Martin Scorsese’s Top 10 por Criterion.

NÚMERO 10

El gatopardo

Il gattopardo (Luchino Visconti, 1963)

Una obra maestra sobre Sicilia, una meditación sobre la eternidad y tapiz histórico infinitamente rico, meticulosamente compuesto en color y en 70 mm. Luchino Visconti se inspiró en la novela póstuma del conde Giuseppe Tomasi di Lampedusa, sobre un príncipe siciliano en el momento de la unificación italiana, o Risorgimiento, que se aleja del poder y la influencia porque se da cuenta de que la vida que él y su familia han llevado está llegando a su fin, que tiene que apartarse del camino para hombres más jóvenes y ambiciosos como su sobrino Tancredi.

Visconti había querido a Laurence Oliver, e inicialmente fue muy brusco con Burt Lancaster, pero el actor se lo ganó y acabaron siendo amigos de por vida. El Gatopardo es una película que se ha vuelto cada vez más importante para mí a medida que pasan los años.

El Príncipe de Salina, un noble aristócrata de integridad impecable, trata de preservar a su familia y clase en medio de los tumultuosos trastornos sociales de la Sicilia de 1860.

NÚMERO 9

El desprecio

Le mépris (Jean-Luc Godard, 1963)

A lo largo de los años El desprecio ha sido cada vez más importante para mí. Es un retrato demoledor de un matrimonio que sale mal, especialmente durante la famosa escena entre Piccoli y Bardot en su departamento; incluso si no sabes que el matrimonio de Godard con Anna Karina se estaba desmoronando en esa momento, puedes sentirlo en la acción, el movimiento de las escenas, las interacciones que se extienden tan dolorosa pero majestuosamente, como una pieza de música trágica.

El desprecio es también un lamento por un tipo de cine que estaba desapareciendo en ese momento, encarnado por Fritz Lang y la adaptación imposible de La Odisea que él está dirigiendo. Es un profundo encuentro cinematográfico con la eternidad, en el que tanto el matrimonio perdido como el cine parecen disolverse. Es una de las mejores películas más aterradoras jamás hechas.

El matrimonio del guionista Paul Javal con su esposa Camille se desintegra durante la producción de una película.

NÚMERO 8

8½ (Federico Fellini, 1963)

¿Qué haría Fellini después de La dolce vita? Algo que nadie podría haber anticipado en ese momento. Tomó su propia situación artística: la de un cineasta que tenía ocho películas y media a su nombre, que alcanzó renombre internacional con su último largometraje y que sintió una enorme presión cuando llegó el momento de un rodar un nuevo filme, y construyó una película sobre él. Pero también, de ser el artista del momento, tratando de desconectar toda la presión y las críticas y la adulación y las solicitudes y los consejos, y encontrar el espacio y la calma para simplemente escucharse a uno mismo.

Cuando Guido Anselmi –un director de cine que ha perdido toda inspiración–, se ve incapaz de realizar una nueva película, comenzará a rememorar los sucesos y las mujeres más importantes de su vida.

NÚMERO 7

Salvatore Giuliano

Salvatore Giuliano (Francesco Rosi, 1962)

El gran mosaico histórico y político de Francesco Rosi es una investigación dramática sobre las circunstancias que rodearon el asesinato del bandido siciliano Salvatore Giuliano. Es una película extremadamente compleja: no hay un protagonista central (el propio Giuliano no es un personaje sino una figura en torno a la cual gira la acción), y cambia entre marcos de tiempo y puntos de vista. Está filmada en un blanco y negro que es absolutamente electrizante (el director de fotografía fue Gianni Di Venanzo, quien filmó a muchos de las mejores imágenes italianas de los años 50 y 60, incluidas El eclipse de Antonioni y  de Fellini ). Salvatore Giuliano es, entre muchas otras cosas, un gran himno a Sicilia, la tierra de mi familia, y solo por eso lo aprecio.

Los giros poco claros y complicados entre los poderes gubernamentales, el partido independentista y la mafia en la Sicilia de los años 40 culminan con la muerte de Salvatore Giuliano.

NÚMERO 6

La aventura

L'avventura (Michelangelo Antonioni, 1960)

He aquí otra película de la que tanto se ha dicho y escrito a lo largo de los años que terminas pensando: «no hay nada más que decir…» Pero, por supuesto, siempre hay algo más que decir sobre ella, verla de nuevo es verla de nuevo, verla en 2020 en lugar de 1960 es una experiencia muy diferente, y para algunas personas será literalmente nuevo (a esas personas, yo diría, simplemente: ¡Vedla! ¡Ahora!). Visualmente, sensual, temática, dramáticamente, en todos los sentidos, es una de las grandes obras del cine.

Durante un viaje de placer en barco, una joven rica desaparece durante la visita a una isla. En el viaje le acompañan su novio y su mejor amiga, quienes se entregan sin descanso a la búsqueda de la desaparecida. Unidos por esta investigación, tanto en la isla como en tierra firme, ambos sentirán crecer una fuerte atracción que les lleva a una relación llena de claroscuros originados en la sombra de la amiga/amante perdida.

NÚMERO 5

Cenizas y diamantes

Popiól i diament (Andrzej Wajda, 1958)

Vi Ashes and Diamonds por primera vez en 1961 y me sorprendió muchísimo. La película tiene el poder de una alucinación: puedo cerrar los ojos y ciertas imágenes me volverán a aparecer con la fuerza que tenían cuando las vi por primera vez hace más de cincuenta años. Me he cruzado con Andrzej Wajda varias veces a lo largo de los años, y siempre me ha asombrado su energía y su visión inquebrantable. Es un modelo para todos los cineastas.

Cuando termina la Segunda Guerra Mundial, la resistencia polaca y las fuerzas rusas se enfrentan entre sí en un intento de asumir el liderazgo en la Polonia comunista.

NÚMERO 4

Cuentos de la luna pálida

Ugetsu monogatari (Kenji Mizoguchi, 1953)

Mizoguchi es uno de los grandes maestros que ha trabajado en el mundo del cine; está a la altura de Renoir, Murnau y Ford, y después de la guerra hizo tres filmes: Vida de Oharu, mujer galante (1952), Cuentos de la luna pálida (1953) y El intendente Sansho (1954), que se encuentran en la cima del cine. Pero Cuentos de la luna pálida tiene un efecto poderoso en mí. Hay momentos que he visto una y otra vez y que siempre me dejan sin aliento.

Durante la guerra civil de Japón en el siglo XVI, los aldeanos Genjuro y Tobei intentan ganar dinero: Genjuro como alfarero y Tobei como samuari. Dejando de lado a sus esposas intentarán conseguir su objetivo pero Genjuro se cruzará con en el camino con la misteriosa Lady Wakasa.

NÚMERO 3

El río

The River (Jean Renoir, 1951)

Los años inmediatamente posteriores a la guerra fueron muy especiales en el cine de todo el mundo. Millones de personas fueron asesinadas, ciudades enteras fueron arrasadas, la fe de la humanidad en sí misma fue sacudida. Los mejores cineastas se movieron para crear meditaciones sobre la existencia, sobre el milagro de la vida misma. No apartaron la mirada de la dureza y la violencia, sino todo lo contrario. Más bien, trataron con ellos directamente y luego miraron más allá, desde una distancia mayor y más benigna. Este fue el primer filme de Jean Renoir después de su período estadounidense, el primero en color, y utilizó la novela autobiográfica de Rumer Godden para crear una película que trata sobre la vida, una película sin una historia real que habla sobre el ritmo de la existencia, los ciclos de nacimiento, muerte y regeneración, y la belleza transitoria del mundo.

Tres adolescentes que crecen en Bengala, India, aprenden lecciones de la vida después de enamorarse de un soldado estadounidense mayor.

NÚMERO 2

Las zapatillas rojas

The Red Shoes (Michael Powell & Emeric Pressburger, 1948)

He dicho y escrito mucho sobre este filme a lo largo de los años; para mí siempre es uno de los mejores que se han rodado, y cada vez que vuelvo a verlo, aproximadamente una vez al año, es nuevo: revela otro lado, otro nivel, y va más allá. «¿Qué tiene de especial Las zapatillas rojas?» Por supuesto, es hermosa, una de las películas de Technicolor más bellas jamás hechas; tiene un sentido mágico tan extraordinario… mira de nuevo la escena en la que Moira Shearer está subiendo los escalones hacia la villa de Anton Walbrook, especialmente en la nueva restauración, parece que está flotando sobre las corrientes de luz brillante y aire. Y no hay otra imagen que dramatice y visualice la abrumadora obsesión del arte, la forma en que puede apoderarse de su vida. Pero en un nivel más profundo, en el movimiento y la energía de la propia película, hay un amor profundo y permanente por el arte, una creencia en el arte como un estado genuinamente trascendente.

Una joven bailarina de ballet tendrá que decidir entre el hombre que ama y la posibilidad de convertirse en una gran bailarina.

NÚMERO 1

Paisan

Paisà (Roberto Rossellini, 1946)

En Mi viaje a Italia (1999), el documental que hicimos sobre el cine italiano, comenzamos con esta imagen. Para mí, realmente fue el principio. La vi por primera vez en televisión con mis abuelos, y su abrumadora reacción a lo que le había sucedido a su tierra natal desde que se fueron a principios de siglo fue tan presente y vívida para mí como las imágenes y los personajes. Estaba experimentando el poder del cine en sí, en este caso hecho mucho más allá de Hollywood, en condiciones extremadamente difíciles y con un equipo inferior. Y también estaba viendo que el cine no se trataba solo de la película en sí, sino de la relación entre la película y su audiencia. Fellini dijo que cuando Rossellini estaba filmando la secuencia de Po Valley, actuó por puro instinto, inventando libremente a medida que avanzaba. El resultado, en ese episodio, y también en los episodios siciliano, napolitano y florentino, sigue siendo sorprendente: es como ver la realidad misma desplegándose ante tus ojos.

La barrera del idioma tiene consecuencias trágicas en una serie de historias no relacionadas ambientadas durante la campaña italiana de la Segunda Guerra Mundial.